- Альбрехт Дюрер. Голова мертвого Христа. 1503
- Леонардо да Вінчі (1452-1519) Лист з начерками військових машин. Близько 1487. Папір, перо. 17,3x24,5
- Рафаель Санті (1483-1520) Оголений чоловік з піднятими руками Близько 1511-1512. Папір, чорний крейда. 29,1 хЗ2,5
- Альбрехт Дюрер (1471-152) Лицар, Смерть і Диявол 1513. Гравюра на міді. 24,6x19
- Мікеланджело Буонарроті (1475-1564) Портрет Андреа Кваратезі. Близько 1532. Папір, чорний крейда. 41x29
- Ганс Гольбейн Молодший (+1497 / 1498-1543) Портрет англійки Близько 1535. Папір, червоний, чорний,...
- Пітер Пауль Рубенс (1577-1640) Портрет Ізабелли Брант. Близько 1621. Чорний, червоний і білий крейда. 38,1x29,4
- Нікола Пуссен (1594-1665) Автопортрет. Близько 1630. Папір, червоний крейда. 25,6x19,7
- Харменс ван Рейн Рембрандт (1606-1669) Раковина 1650. Офорт. 9, 7x13,2
- Якоб ван Рейсдал (1628 / 1629-1682) Вид Алкмар від Гроті Керк. Близько 1660. Малюнок, акварель. 20x31,1
- Антуан Ватто (1684-1721) Флейтист и две жінки. Близько 1717. Папір, сангіна, крейда. 25,3x37,5
- Томас Гейнсборо (1727-1788) Дама з трояндою. Близько 1763. Папір, кольоровий і білий крейда. 46,4x33
- Вільям Блейк (1757-1827) Танець Альбіону. Близько 1796. Папір, акварель, туш. 26,5x18,8
Альбрехт Дюрер. Голова мертвого Христа. 1503
Леонардо да Вінчі (1452-1519) Лист з начерками військових машин. Близько 1487. Папір, перо. 17,3x24,5
В епоху Відродження для художників було абсолютно природно займатися зброєю: людина, здатна намалювати і відлити бронзову статую, з тим же успіхом міг відлити і гармату. Дотримуючись духу часу, Леонардо да Вінчі в своєму нескінченному прагненні до знання ретельно вивчав трактат «De Re Militari» ( «Про військовій справі»), написаний його сучасником Роберто Вальтуріо. Так він черпав ідеї з різних джерел, переосмислюючи і багато в чому доповнюючи чужі проекти.
На даному малюнку зображена одна з «закритих колісниць, безпечних і неприступних», - як їх називав художник, що представляє собою вдосконалений вид військової машини, примітивний прототип якої існував ще в римські часи. У давнину це були колісні конструкції, що несли важкі військові щити і призначалися для штурму міських стін. Вони призначалися для захисту воїнів, які діяли тараном. Леонардо значно розвинув конструкцію, перетворивши колісницю в прикриту панциром збройну візок (подобу сучасного танка), укомплектовану гарматою і керовану зсередини за допомогою важелів і ремінних приводів командою з восьми чоловік.
Бойова чотириколісна машина конічної форми показана в двох ракурсах для того, щоб продемонструвати її технічні можливості і способи управління. Схема роботи цього механічного танка, ретельно продумана автором, безумовно, випереджає свій час, проте ефективність її застосування в бойових умовах XV століття була досить спірною: важка візок з трудом могла б пересуватися однієї тільки силою людських м'язів, особливо по нерівній поверхні і на далекі відстані . Сам художник скоріше був захоплений ідеєю, ніж її втіленням.
Треба сказати, що Леонардо да Вінчі, який займався удосконаленням бойової техніки під час його служби при дворі міланського герцога Лодовіко Сфорца, завжди залишався противником воєн і насильства. Тому в середині листа під зображенням ще більш грізною військовою машини в дії він зробив приписку, що подібні винаходи принесуть більше шкоди тим, хто їх використовує, ніж тим, проти кого вони спрямовані.
Рафаель Санті (1483-1520) Оголений чоловік з піднятими руками Близько 1511-1512. Папір, чорний крейда. 29,1 хЗ2,5
Малюнок оголеного чоловіка з піднятими вгору руками - один із серії підготовчих начерків, зроблених Рафаелем для вівтарної композиції «Воскресіння Христа» капели сімейства Кіджі в римській церкві Санта Марія справи Паче на замовлення свого друга, сиенского банкіра Агостіно Кіджі.
На цьому аркуші художник промальовує оголену натуру, відпрацьовуючи позу і моделюючи пластичну форму для образу римського стражника, який, боячись глянути на воскреслого Христа, зігнувся і закриває обличчя руками від світла Воскресіння. Виразні руху і несподівані ракурси мускулистої, сильної фігури, відображеної в кульмінаційний момент життя, нагадують роботи Мікеланджело в Сікстинській капелі, які Рафаель ретельно вивчав. Однак очевидно й те, що тут його, на відміну від Мікеланджело, набагато менше турбує детальна моделювання тіла, а більше захоплюють пошук пози, малюнок силуету і світлотіньові ефекти. Рафаель концентрує увагу на складному становищі рук і верхньої частини корпусу фігури, шукає положення правої ноги персонажа майбутньої картини, прописуючи її більш сгруппированную і відкриту позицію. Покриваючи штрихуванням затемнені ділянки тіла, майстер продумує, як на картині буде падати світло.
Рафаель встиг спланувати пристрій вівтаря капели Кіджі, але робота «Воскресіння Христа» так і не була написана. Від неї збереглися лише деякі промальовування.
Альбрехт Дюрер (1471-152) Лицар, Смерть і Диявол 1513. Гравюра на міді. 24,6x19
Багатопланове зміст однієї з найдосконаліших за майстерністю і глибоких за змістом гравюр Альбрехта Дюрера «Лицар, Смерть і Диявол» до сих пір не розгадано до кінця. На цьому аркуші видно, як серед похмурих скель, порослих травою і чагарником, їде на могутньому коні закутий в лати вершник. Поруч з ним біжить кудлатий пес. Лицар рухається повільно і впевнено, не звертаючи уваги на те, що на цій стежці у нього є ще два супутники: сидить на шкапі труп в оповитої зміями короні і пісочного годинника в руках і крокує на козлиних ногах рогате чудовисько з кабанячих рилом і затиснутою в лівій лапі алебардою. Внизу назад загальному руху пробігає юркая ящірка, а вдалині над темною грядою скель - безхмарне небо і йдуть вгору вежі гірської фортеці.
Назва роботи дозволяє припустити, що коронований мрець - це уособлення смерті, пісочний годинник якої відміряють термін земного життя лицаря, а страховисько позаду вершника - не хто інший, як диявол, що втілює все зло світу. Подібне істота вже з'являлося у Дюрера в «Великих пристрастях» і «Зішестя Христа в пекло». Лицар - найзагадковіший з трьох персонажів - часто асоціюється з образом воїна Христового.
Порівняння християнина з воїном, провідним духовну боротьбу з диявольськими підступами, відоме ще з апостольських часів, розвинув в трактаті «Зброя християнського воїна», виданому в 1504, Еразм Роттердамський. «Щоб ти не побоявся йти стезею чесноти, так як вона здається нерівній і скорботної і треба буде відмовитися від мирського спокою, так як ти повинен будеш безперервно битися з трьома найлютішими ворогами - плоттю, дияволом і світом, - писав Еразм, - я оголошую тобі такі правила. Всіма чудовиськами і примарами, які відразу ж тобі зустрінуться, немов при вході в пекло, ти повинен знехтувати ». Ймовірно, ці ідеї і надихнули Дюрера на створення знаменитої гравюри, де вони майстерно виражені за допомогою образного ладу і світлотіньових ефектів.
Художник ділить лист на два плани. Перший, темний - це ущелина, схоже з передоднем пекла, де лицар перебуває поруч зі смертю і дияволом. Другий план залитий світлом, високо в горах видно шпилі прекрасного міста (можливо, що символізує Небесний Єрусалим). Вершник виявляється між двох світів і, щоб потрапити до другого, йому треба подолати морок і жах першого. Для цього потрібні незворушність, стійкість і мужність.
Мікеланджело Буонарроті (1475-1564) Портрет Андреа Кваратезі. Близько 1532. Папір, чорний крейда. 41x29
Як повідомляє Джорджо Вазарі, Мікеланджело з великим небажанням писав портрети, «навіть в тому випадку, якщо предмет відрізнявся досконалою красою». «Портрет Андреа Кваратезі» - єдиний зі збережених портретних малюнків великого майстра. Він зображує знатного флорентійського юнака, який був шанувальником таланту і, можливо, учнем Мікеланджело. На одному з листів з начерками, які нині перебувають в Оксфорді, художник написав, звернувшись, по всій ймовірності, до цього молодій людині: «Андреа, май терпіння».
Кваратезі показаний впівоберта до глядача, на ньому - сучасний костюм і модний капелюх. Погляд задумливого юнака спрямований в бік, а серйозне і трохи сумне обличчя ще зберігає наївність і боязкість дитинства. Видно, що позувати настільки знаменитому художнику, та ще й свого вчителя, було для Андреа важливим і відповідальним справою. Малюнок виконаний в дуже делікатній, м'якою манерою. Світло падає зліва, і Мікеланджело, тонко прописуючи тіні, моделює форму крихітними паралельними штрихами чорного крейди. Покладені настільки близько і акуратно, вони створюють мальовничий ефект, роблячи світлотіньові переходи майже невловимими.
Робота виконана з такою зворушливою уважністю до моделі, що стають зрозумілі слова художника, який говорив, що якщо він береться за портрет, то пише його «не з обов'язку, а по любові». Припускають, що малюнок був виконаний як пам'ятний подарунок самому Андреа або його сім'ї.
Ганс Гольбейн Молодший (+1497 / 1498-1543) Портрет англійки Близько 1535. Папір, червоний, чорний, білий, коричневий крейда, чорнило, акварель. 27,6x19,1
Ганс Гольбейн Молодший, видатний німецький живописець XVI століття, став провідником художніх ідей Відродження в Англії. Вперше він приїхав до Лондона за рекомендацією Еразма Роттердамського в 1526 і був прийнятий в сім'ї Томаса Мора, гуманістичні погляди якого поділяв. Через два роки Гольбейн повернувся на батьківщину. Однак в 1532 він знову повернувся в Англію, тепер уже на довгий термін. Майстер був покликаний до короля і отримав посаду придворного художника. Протягом одинадцяти років він, справно виконуючи свої обов'язки, малював проекти будинків і створював ескізи прикрас, але найголовніше - писав портрети Генріха VIII і його наближених.
Гольбейн привніс в англійське мистецтво традиції інтелектуального гуманістичного портрета з його глибокою увагою до внутрішнього світу портретованого. Крім короля і придворних художник зображував дорогих йому людей: друзів і однодумців, а також їх близьких. До кращих зразків таких робіт відноситься «Портрет англійки». У малюнку проявилися найкращі риси творчості Гольбейна, його звернення до особистої гідності моделі, її розуму і шляхетності. Припускають, що на портреті - Маргарита, улюблена дочка Томаса Мора, хоча схожість з її мініатюрним портретом (одна тисяча п'ятсот тридцять шість, музей Метрополітен, Нью-Йорк) не надто велике. У будь-якому випадку це знатна дама двору Генріха VIII, бо лист відбувається з великого альбому портретів королівської колекції Віндзора.
Малюнок виконаний червоним, білим і світло-коричневим крейдою і доопрацьований темним чорнилом. Завдяки розоватому кольором листа і вмілому варьированию відтінків художник моделює форму і домагається ефекту природного тілесного тону. Тонкими мазками пензля він підкреслює деталі: куточки головного убору, контури сукні, лінії брів і вій. Портрет виконаний дуже делікатно і разом з тим строго, що відображає, мабуть, характер відображеної жінки - стриманою, але ніжною і вразливою.
Пітер Пауль Рубенс (1577-1640) Портрет Ізабелли Брант. Близько 1621. Чорний, червоний і білий крейда. 38,1x29,4
Цей малюнок створений Пітером Паулем Рубенсом незадовго до смерті його дружини, Ізабелли Брант, з якою він прожив разом сімнадцять щасливих років. Художник писав свою улюблену жінку багато разів і ніколи не прагнув прикрашати її зовнішній вигляд. Всі портрети Ізабелли правдиві, точні в деталях, скромні в зображенні аксесуарів, а сам образ приваблює глядача довірчим й виразом обличчя.
Даний малюнок, можливо, є підготовчим начерком до великого портрету 1926 який зараз знаходиться в Галереї Уффіці у Флоренції. Поворот голови, зачіска, сповнений теплоти погляд, легка посмішка однакові в обох роботах Рубенса, але в силу особливості техніки камерний малюнок, позбавлений яких би то не було «парадних» деталей і є лише погрудний портретом, зосереджуючи увагу на обличчі моделі, зберігає велику гостроту індивідуальної характеристики, ніж закінчене полотно. Молода жінка не позує, вона «вихоплені з життя», представлена такою, якою її бачив художник кожен день і якою вона запам'яталася в його пам'яті. Рубенс в листі до свого друга П'єру Дюпюї від 15 липня 1626 писав про недавно померлої дружини: «Воістину я втратив чудову дружину, яку я міг і повинен був любити, тому що вона не мала ніякими вадами свого статі; вона була суворої, ні слабкої, то такий доброю і такою чесною, такий доброчесною, що все любили її живу і оплакували мертву ... »
Нікола Пуссен (1594-1665) Автопортрет. Близько 1630. Папір, червоний крейда. 25,6x19,7
Авторство цього виразного малюнка з погрудний зображенням молодого чоловіка приписується знаменитому французькому художнику XVII століття Нікола Пуссена. Довга напис, зроблений італійським колекціонером Франческо Габуррі, повідомляє цікаві відомості про обставини створення цієї роботи. Вона була виконана Пуссеном, коли він видужував після важкої хвороби. Художник писав автопортрет червоною крейдою, стоячи перед дзеркалом. Згодом, як повідомляє Габуррі, малюнок був подарований кардиналу Камілло Массимо, покровителю Пуссена і шанувальнику його творчості, який не тільки купував картини французького майстра, а й брав у нього уроки малювання.
Докладні відомості італійського збирача досить переконливі, проте сам малюнок, так само як і відображений на ньому образ, значно відрізняються від робіт Пуссена початку 1630-х. Автопортрет виконаний в незвичайній для художника манері, яка уражує жвавістю, драматизмом і майже фізіологічної точністю характеристики. Пуссен представлений тут в ковпаку і пом'ятою, недбало розхристаній на шиї сорочці. Хворе неголене обличчя виснаженого хворобою чоловіка, зображене з вражаючим реалізмом, спотворене гримасою невдоволення або страждання. Сильно і енергійно прописані завитки волосся, перебільшено підкреслена світлотінню мускулатура обличчя і шиї. Голова і плечі різко виділяються на злегка позначеному легкими паралельними штрихами тлі. В образі людини, представленого на цьому чудовому малюнку, можна виявити риси подібності з тим Пуссеном, який відомий за іншими його автопортретам. Однак сама трактування образу настільки нехарактерна для художника, що деякі дослідники сумніваються в автентичності атрибуції Габуррі.
Харменс ван Рейн Рембрандт (1606-1669) Раковина 1650. Офорт. 9, 7x13,2
Натюрморт в Голландії XVII століття був одним з популярних жанрів живопису і графіки. Існувала навіть спеціалізація майстрів: одні зображували «сніданки», інші «квіти». Після перемоги в країні реформаційних ідей, коли перестали надходити церковні замовлення, художники, змушені писати картини на замовлення приватних осіб і на продаж, стали дуже залежні від смаків суспільства і ринку. Натюрморти були в ціні і користувалися великим попитом, особливо ті з них, на яких зображувалися будь-які незвичайні предмети. Однак Харменс ван Рейн Рембрандт, що дорожив своєю творчою свободою, найменше був рухомий інтересами публіки. Глибоко захоплений внутрішнім світом людини, він не писав «чистих» натюрмортів. «Мертва природа» займала його тільки як антураж для обстановки, в якій діють і живуть люди. Офорт з зображенням раковини - виключення з правил і тому унікальне явище в творчості майстра.
Представлена на офорті красива раковина складної форми - це «Conus marmoreus». Носили такий ошатний панцир молюски жили біля берегів Африки, Полінезії і Гавайських островів. «Conus marmoreus» в XVII столітті була дуже дорогою рідкістю. Даний екземпляр, можливо, належав самому художнику, який, як відомо, колекціонував всякі дивини. Такі раковини зображував на своїх офортах Вацлав Холлар, і Рембрандт, ймовірно, вирішив позмагатися з ним у мистецтві передачі всіх особливостей такого незвичайного і хитромудро влаштованого предмета. Йому вдалося продемонструвати своє дивовижне майстерність. Офорт відображає найдрібніші подробиці екзотичної «Conus marmoreus»: переливи перламутрових осередків спинки і тугі завитки равлики. Тонке нюансування чорного тону створює відчуття глибини простору, а навколишні черепашку оксамитові тіні роблять майже відчутною її гладеньку поверхню.
Якоб ван Рейсдал (1628 / 1629-1682) Вид Алкмар від Гроті Керк. Близько 1660. Малюнок, акварель. 20x31,1
На малюнку вид вулиці міста Алкмар від церкви Святого Лаврентія (Грот Керк або «Великий церкви») на північному заході Голландії показаний чорним крейдою з сірими розмивання. Це звичайна картинка з повсякденного життя тихого кварталу. Мирний міської вид не має на увазі ніяких особливих історичних чи драматичних колізій, як це часто бувало у Якоба ван Рейсдала, в похмурих і потужних пейзажах якого важко виявити пристрасть до «милим видам». На картинах художника рівнинні ландшафти, простори моря, водоспади, дюни і ліси часто значні, як храми світобудови. Навіть прості мотиви під його пензлем часом знаходили монументальність. Тут же Ван Рейсдал далекий від такого сприйняття світу.
Милуючись напівсонної міської вуличкою, він зайнятий зображенням старих будинків, що відкидають довгі тіні на бруківку, химерною грою сонячних відблисків в кронах могутніх дерев, розкинули свої гілки позаду церковного двору, силуетами будинків, вимальовується на тлі ранкового неба. Все дихає спокоєм, ясний світ напоєне світлом і тишею. Малюнок нагадує ті скромні і прості види рідної країни, які художник спостерігав в пору своєї юності на полотнах голландських пейзажистів старшого покоління. Однак вміння, з яким промальовані дерева і будинки, відображені природне освітлення міської вулички, тонкі градації відтінків сірого і чорного, видає руку великого майстра.
Антуан Ватто (1684-1721) Флейтист и две жінки. Близько 1717. Папір, сангіна, крейда. 25,3x37,5
У малюнку Антуана Ватто, який зображує грає на флейті молодої людини і двох ошатних дам, розробляється улюблений художником мотив, де краса музики сусідить з чарівністю жіночої краси. Фігура флейтиста незавершена, а всі три персонажа не пов'язані між собою єдиним процесом. Сильні й енергійні штрихи червоного крейди і легкі ковзаючі дотику білого динамічні і безпосередні. Ймовірно, перед глядачем - замальовка з натури.
Відомо, що Ватто в усі періоди своєї творчості знаходив час писати етюди. У них він «зупиняв миті» киплячій і сліпучого життя французької столиці. На даному малюнку видно ретельні студії нарядів і точна промальовування поз, які гострий погляд живописця вловив в реальному житті. Незважаючи на те що зміст картин Ватто ніколи не було списано з натури, художник залишався їй вірним в деталях, використовуючи свої спостереження в майбутніх великих полотнах. Пози персонажів даного малюнка можна виявити в пізньої, відомої по гравюрах роботі «Сільський концерт» і в картині «Зворушливе визнання».
Вишуканий костюм відігравав велику роль в роботах Ватто. Наряди на його картинах були настільки гарні, що фасони суконь починали копіювати і живопис ставала законодавцем мод. Однак перш, ніж придумати нове, необхідно як слід вивчити існуюче, і майстер терпляче і докладно фіксує елементи одягу придворних франтів і багатих дам, що наочно демонструє даний малюнок. Простими засобами художник примудряється передати складні вигини складок і переливи шовку в нарядах своїх героїв. Будучи непоганим музикантом, Ватто настільки ж вірно і детально зображує і манеру гри на флейті.
Томас Гейнсборо (1727-1788) Дама з трояндою. Близько 1763. Папір, кольоровий і білий крейда. 46,4x33
На початку 1760-х Томас Гейнсборо жив і працював в Баті, місті, знаменитому своїми гарячими джерелами і мінеральними водами. На модному курорті, куди з'їжджалися аристократи з усієї країни, у художника не виявилося серйозних суперників-портретистів, тому замовлення надходили один за іншим. Він працював так багато, що в 1763 навіть захворів від перевтоми і настільки серйозно, що одна місцева газета сповістила про його смерті. Гейнсборо майже безперервно писав портрети представників вищого суспільства і світських красунь, робив замальовки.
До цього періоду його творчості відноситься і малюнок молодої жінки з трояндою в руках. Особа жінки, напівприхована тінню крислатому капелюхи, цілком впізнається, але, швидше за все, це не портрет, а лише начерк, в якому художник прагнув знайти жести і позу, як слід вивчити наряд моделі, положення солодкий і гру світла і тіні на дорогої тканини. Можливо, замальовка зроблена з натури під час однієї з прогулянок по околицях міста: під ногами дами зображені кілька листів і травинок. Однак в даному випадку природне оточення не цікавить Гейнсборо. Він тільки намічає штрихуванням фон і грунт.
Увага майстра зайнято красивим і складним сукнею, кожну складку якого він ретельно прописує, витонченими рухами дами, піднявши край пишною спідниці і граціозно виставила вперед маленьку ніжку в модній туфельці. З віртуозністю і делікатністю Гейнсборо опрацьовує білою крейдою деталі: переливаються перлини намиста і оксамитові пелюстки троянди. Припускають, що ця замальовка зроблена до портрету графині Марії Хау (1763, Кент-Хаус, Лондон).
Вільям Блейк (1757-1827) Танець Альбіону. Близько 1796. Папір, акварель, туш. 26,5x18,8
Сучасник промислового перевороту в Англії, Вільям Блейк був противником наступаючого царства машин, співчував революційним рухам і боротьбі народів за свободу. Містично налаштований художник створив свою оригінальну картину світу і міфологію, складну, з дивними космічними персонажами, яких називав «ЗОА». Вони символізували процес відділення людства від Бога, перехід у владу фізичної природи і поділ духовних сутностей на ворогуючі між собою групи. В кінці історичного процесу Блейку мислився ідеал нового возз'єднання: Альбіон - «зелена щаслива країна», де «не сатанинських заводів» і насильства, де люди стануть носіями духу.
На аркуші, названому художником «Танець Альбіону» (інша назва - «День радості»), він зобразив оголеного білошкірого і златовласого юнака, який танцює в багатобарвному сяйві, розкинувши в радісному пориві руки і зневажаючи ногами купи темних металевих уламків. Це фігура Альбіону - персоніфікація народу Британії, звільнився від кайданів матеріалізму. Робота колись входила в «Велику книгу малюнків», надруковану в 1796 Блейком для мініатюриста Озіас Хамфрі.
Сюжет даної акварелі художник висловить ще раз в 1804 в гравюрі з однойменною назвою.
Це дещиця, що можна було вибрати з експозиції музею, та й багато художників уявлялося на Ліру ... не будемо повторюватися
Серія Повідомлень " Музеї Великої Британії. ": Частина 1 - Старовинне срібло Британии
Частина 2 - Лондонський музей Альберта и Вікторіі.Часть1.Історія.Експозіціі музею Копій.
...
Частина 4 - Лондонський музей Альберта і Вікторіі.Часть 3.Експозіціі "Золото і срібло"
Частина 5 - Лондонський музей Альберта і Вікторіі.Часть 4.Експозіція старовинних меблів
Частина 6 - Шедеври із зібрань графіки і гравюр Британського музею
Частина 7 - У Британському музеї
Частина 8 - Мистецтво стародавнього Єгипту в зборах Британського музею
...
Частина 14 - З Колекції брітанської королеви (2): меблі (1)
Частина 15 - З Колекції брітанської королеви: дорогі дрібнички (1)
Частина 16 - Англійське місто Бат и Джейн ОСТІН
