Завершився черговий театральний фестиваль «Золота маска», за підсумками якого було вручено безліч премій найкращим акторам, режисерам, драматургам і всім, хто робить російський театр - залишається таким же сильним місцем російської культури, як колись оспівані балет і ракети. На відміну від, наприклад, кіно. У театрі Росії щороку створюється стільки всього, причому, далеко за межами Москви і Санкт-Петербурга, що премій і номінацій фізично не вистачає.
Труднощі багатого вибору
На цей раз теж не обійшлося без довгих суперечок з приводу лауреатів. По-перше номінувалася дуже багато робіт, тільки у великій формі було представлено 10 вистав, в малій (різниця за кількістю глядачів, яку багато хто називає досить умовною), було ще 18 вистав, серед яких майже п'ятигодинні варіації на тему «Трьох сестер» Андрія Жолдака і Тимофія Кулябин. Навіть в номінації експеримент було представлено сім, а не п'ять, як в останні роки вистав, і конкуренція була неабияка. В результаті полюбилися критикам постановки, наприклад, присвячене сучасній фізиці «Поле» Дмитра Волкострелова по тексту Павла Пряжка пітерського «театру post», в якому герої грають свої сцени в порядку, визначеному генератором випадкових чисел, залишилися без нагород.
Природно, при такій великій кількості варіантів смакам критиків було куди розійтися, втім, після оголошення результатів було якесь загальне нерозуміння того, чому «Три сестри» Кулябин (новосибірський театр «Червоний факел») отримали тільки, так би мовити, втішну спеціальну премію журі за акторський ансамбль , і не обійшлося, звичайно, без підозр в тому, що режисер скандального «Тангейзера» був усвідомлено засунуть.
Чимало велося розмов і про те, що фестивалю «Золота маска» взагалі не потрібні переможці, адже це не спорт, і насправді, дуже часто спектаклі краще один одного в тій же мірі, що і «вірмени краще ніж грузини» з анекдоту. Але все ж змагальний дух дуже розвинений в творчих людей, тому краще вже довго сперечатися про справедливість рішень, ніж бути зовсім без них. Якщо ж брати важливість нагород з точки зору медіа, то в 2017 році лауреати в логіку вписалися. Могутній, Козловський, російська - тобто, художній керівник БДТ Андрій Могутній за «Грозу» (кращий режисер), «Російський роман» театру Маяковського (спектакль) і, щоб припечатав, вікінг Володимир і Валерій Харламов з кіно Данило Козловський з «Гамлета» ( краща чоловіча роль). Щодо Козловського звучала думка, що нагороджений більшою мірою черговий спектакль Льва Додіна, але варто врахувати і вартість квитків під час фестивального показу в Москві - десятки тисяч рублів. Такі ціни не можна було не відзначити.
«Російський роман» литовського дуету Міндаугас Карбаускіс (режисер) - Марюс Івашкявічюс (драматург) став головним тріумфатором. І перший приз, і «маска» драматургу, і за головну жіночу роль. Російсько-литовський роман про Льва Толстого і героїв «Анни Кареніної», але без самого «декана» або «Годо», під час відсутності Льва Миколайовича і заробила премію Софія чудовою Євгенії Симонової.
У малій формі дещо несподівано (з огляду на конкуренцію) переміг «Магадан / Кабаре» Юрія Погребнічко (Театр «Біля будинку Станіславського», Москва). Цю «Золоту маску», до речі, можуть записати на свій рахунок пильні до успіхів земляків одесити, адже керівник Театру «Біля будинку Станіславського» колись народився саме в Одесі.
Одеський case
Взагалі, в цьому році на «Золотій масці» одеський слід можна було знайти без натяжки. Постановка красноярського Театру юного глядача «Биндюжник і король» по Ісааку Бабелю отримала премію в номінації «Краща вистава в опереті / мюзиклі». Набагато менш відомий твір того ж Бабеля - п'єса «Марія», яка майже не ставилася при житті письменника, в постановці Омського драматичного театру претендувала відразу на кілька нагород в основному конкурсі. А Воронезький камерний театр звернувся до творчості призабутого представника одеської плеяди Юхима Зозулі (до речі, народився він в Москві, але дитинство і юність провів у Південній Пальмірі) і поставив антиутопію «Ак і людство» за оповіданням 1919 року.
«Биндюжник і король», як і багато інших робіт цієї «Золотої маски» - це теж спроба переосмислення і актуалізації добре знайомого глядачам матеріалу. Режисер Роман Феодори в інтерв'ю розповідав, що навмисно відійшов від звичних костюмів і сценографії, звернувшись до естетики європейського театру і чіпаючи картину постмодерністської пензлем. А диригент Ольга Шайдуллін додавала, що музика Олександра Журбіна в постановці, при збереженні мелодії і ритмічного малюнка, стала більш зрозумілою молоді, в ній з'явилися навіть елементи хард-року й панку.
На відміну від «Биндюжник і короля» інші «одеські» постановки залишилися без нагород, хоча цілком заслуговували того, щоб бути відзначеними критиками. Втім, глядачі, здається, по достоїнству оцінили постановки, особливо «Ака».
Вистава Воронезького камерного театру поставлений по зовсім невеликій твору Юхима Зозулі «Розповідь про Аке і людство», яке можна прочитати за десяток з невеликим хвилин. Це одна з перших антиутопій, написана на рік раніше знаменитого замятінского «Ми», не кажучи вже про «Дивному новому світі» Хакслі і «1984» Орвелла. Але, незважаючи на невеликий обсяг, в «Аке» сконцентровано класичне розвиток подій від утопії до антиутопії і знову до якоїсь подібності «нормального життя».
За сюжетом, люди наділили майже безмежними повноваженнями Колегію вищої рішучості, яку очолив шановний усіма Ак. А той вирішив будувати світле майбутнє, попередньо позбувшись від «людського сміття». Але коли все більше людей перестали проходити «перевірку права на життя», Ак подумав і, в підсумку, створив Колегію вищої делікатності, яка замість ліквідації стала записувати, як добре живеться людям.
Багато критиків поставили в заслугу Воронезькому театру саме звернення до рідкісного і цікавого матеріалу, як і всі антиутопії не втрачає актуальності. Але і сама постановка вийшла яскравою. Хоча розповідь написана схематично, вісім акторів камерного театру зуміли наповнити рядки і драмою, і емоціями, і похмурим гумором. Масштаб проходили чисток вдалося передати за допомогою все нових і нових пар взуття, що залишилися від жертв і купами заповнювали невелику сцену з декораціями в дусі гілліамовской «Бразилії».
Не обійшлося і без невеликого перфомансу з залученням публіки. Каміль Тукаєв несподівано вийшов з образу Ака і звернувся до залу з докладною розповіддю про те, як воронезькі вчені поставили експеримент, в ході якого з'ясувалося, що якщо особливим чином сказати «Життя стала нормальною», вона покращиться. Після того, як зал хором сказав цю фразу, «життя стала нормальною» і у героїв, вони закрили купи взуття зеленим газончик, траурні вінки переробили на букетики і стали бурчати, що свого часу знищили недостатньо «сміття». Загалом, дійсно в дусі нашого людства. Цю страшну буденність підкреслював безсловесний персонаж прибиральниці, яка з однаково незворушним виразом обличчя наводила порядок і після страт, і після веселих посиденьок.
П'єса Ісаака Бабеля «Марія» також не мала великий сценічної історії. У 2012 році її несподівано і досить успішно поставив Дюссельдорфский театр, а кілька років по тому до п'єси звернулися і омичи. «Марія» - це кілька замальовок з неспокійного життя постреволюційного Петрограда, в центрі яких - сім'я відставного царського генерала Муковніна і його сім'ї. Дочка генерала Марія, яка вступила в революційні війська, як і Годо в п'єсі Беккета, що вийшла 13 років тому, на сцені так і не з'являється. Її чекають, їй захоплюються, її ненавидять, але поки вона десь будує новий світ, життя йде своєю чергою: її сестра невдало намагається звабити єврея-спекулянта, батько помирає, а квартиру з усім майном в підсумку передають трудовому народу.
Вистава нібито дозволяє публіці поглянути нема на лицьову сторону добре відомих подій, а на їх виворіт, причому як в переносному, так і в буквальному сенсі. Місця розташовані прямо на сцені, дійство ж частково розгортається в залі для глядачів. У темному завісі відкриваються віконця з персонажами, підкреслюючи «віньеточность» того, що відбувається, а слабке освітлення і періодично лунають постріли створюють гнітючу атмосферу Петрограда 1919 року.
І лише в кінці постановки завісу розсувається, і перед глядачами постає сліпучий і ошатний зал театру - «квартира» Муковніна, жити в якій будуть вже зовсім інші люди. Ось тільки «Яблучко» в їх виконанні, яким різко обривається спектакль, звучить не весело і завзято, а загрозливо, як ніби і глядачам натякають, що і вони можуть виявитися на місці зниклих під кінець героїв п'єси.
Островського - співати
В основній програмі навпаки домінували суцільні хіти, від «Гамлета» (втім, радикально переосмислення Львом Додіним) до «качиної полювання». Було і «старе, але золоте», наприклад, «Ворон» Карло Гоцці в постановці Александрінського театру (режисер Микола Рощин). Герої фьяби 1761 роки після кількох годин дурненьке шанобливого проходження за всіма поворотами сюжету венеціанського драматурга, в фіналі прямо вигукують - що ж нам робити з таким-то матеріалом? Важко, мовляв, сприймати всерйоз заплутану історію з вбивством ворона, прокляттям чарівника, низкою вбивств і навіть оживляючим хеппі-ендом в кінці.
Вистава спочатку дратує цим форматом капусника, але поступово гра затягує, а декорації, ніби запозичені в ляльковому театрі і збільшені якимось чаклуном понад усяку міру (власне, самим Рощиним, який отримав в результаті «маску» в номінації «робота художника»), втягують в дивовижний світ, в якому герой звивається з дикими криками «Про ворон, ворон», одночасно кривляючись і вивертаючи всього себе, затиснутого в ляльці (весь спектакль актори грають в закривають обличчя венеціанських масках).
Художній керівник БДТ Андрій Могутній другий рік поспіль забирає режисерську «маску», в минулому році за «П'яних» за сучасною п'єсою, на цей раз, за класичним твором Островського, яке взагалі ніколи не ставили в знаменитому пітерському театрі. При цьому, у своїй «Грози» Могутній, як пояснює сайт БДТ, занурює глядача «в автентичний, архаїчний російський театр часів Островського ... театр базарною і балаганний». Аналізуючи «допсіхологіческій» (на контрасті зі всілякими «пост») театр Островського, Могутній почав його чути і в підсумку роль Бориса дісталася оперному співакові Олександру Кузнєцову, а композитор Олександр Маноцков подарував музичну, та ще й фольклорну-староруську життя всім персонажам. Загалом, пішли в іншу сторону від фрази «важче зіграти, особливо заспівати».
З музичного боку до Островського вирішив підійти і Борис Мільграм (ще один уродженець Одеси) в пермському «Театрі-Театрі», зробивши з комедії «На всякого мудреця досить простоти» іскрометний водевіль (музика Лори Квінт), що відсилає до радянської класики цього жанру з Андрієм Мироновим. Один з персонажів, спритний чиновник Городулін (Альберт Макаров) - це свого роду омаж міністру-адміністратору, хоча своїми шикарними вусами він трохи нагадує персонажа сучасної російської політики.
Взагалі, спектакль поєднує в собі стільки жанрів, скільки актори зможуть забрати - і виходить, що дуже багато. Починається з виходу пермського майже «реального пацана», власне, Єгора Глумова (Сергій Дітки), що працює в стилі стендап-камеді з публікою, далі події розгойдуються, якісь герої нагадують Джея з мовчазним Бобом, Мамаєв засобами пластики демонструє свою нетрадиційність, нарешті , з'являється ворожка Манефа і остаточно струшує зал. Актриса Євгена Барашкова з прекрасними вокальними даними і якийсь уральської енергетикою одночасно і тримає глядачів на короткому повідку свого спілкування, і раз у раз, починає співати щось комі-перм'яцькому.
Герої співають, танцюють, передають все найнеобхідніше з п'єси Островського, імпровізують на кожному кроці, явно отримують задоволення і дарують такі ж відчуття глядачам.
А без політики не обійшлося, власне, ця п'єса не «Гроза» і вже точно не «Ворон», все, що відбувається в ній відмінно лягає на сучасність. В одному моменті Глумов, доводячи співрозмовнику, що нічого-то і не змінилося, в порівнянні з тим, що було раніше, шутовски обігрує Олексія Навального, пропонуючи залу, всім 800 глядачам, вийти на сцену і боротися з корупцією і Медведєвим. У поєднанні з образом Глумова, і заглядаючи в фінал твору, де, незважаючи на всі гидоти з щоденника, суспільство розуміє, що оного суб'єкта можна покарати і знову приголубити, тому як «своя людина», виходить досить кумедно. При цьому, швидше за все, навальнізм в пермському Глумова дозрів якраз до весняного показу вистави в Москві.
До речі, це дуже цікавий момент, оскільки часто, при всій повазі до влади, в театральному середовищі прийнято іронізувати саме над нею, що, в принципі, логічно, а в цій постановці Бориса Мільграма (не так давно мало не звільненого) сережки отримали всі заслуговують цього сестри. І крім пробивається нагору Глумова це і класичний борець з реформами, і хіпстера-чиновник Городулін, викочує на сцену на гігантському велосипеді, і все-все-все. Герої Островського, так добре впізнавані в нашому 21-му столітті.
Чехова ... як ніхто
А як же бути з Чеховим? Звичайно, ніяк без п'єс Антона Павловича жоден театральний фестиваль в світі обійтися не зможе, ось і за підсумками цієї «Золотої маски» можна було перераховувати голосом обокраденного Шпака - «Дяді Вані» (два), «Три сестри» (дві), одна «Чайка» (ескіз). Застаріти цим героям, на відміну від воронів Гоцці, поки не довелося, правда, Андрій Жолдак у виставі того ж Александрінського театру на всякий випадок відправив сестер в далеке майбутнє, аж в 4015-й. Як у фільмі Годара, де після Чорнобиля герої спілкуються текстом «Короля Ліра», тут висловлюватися героїням довелося репліками чеховської п'єси. Загалом, живи ще хоч до 41-го століття, а все одно «В Москву! Працювати! ».
Театрали на замітку! Жолдак переніс дію в 4015 рік, оскільки цей час його особистої реінкарнації. До 41-го століття режисер планує бути каменем біля річки в Монголії. За новими виставами приходити кудись туди через 2 тисячі з гаком років.
Якщо у Жолдака три сестри і в далекому майбутньому не замовкають, то ще один модний режисер, Тимофій Кулябин, змусив своїх сестер грати в мовчанку, як на допиті, точніше, перейти на мову жестів (для глядачів, рідко відвідують театр - були субтитри). Країна глухих сестер зачарувала критику, ще до «Золотої маски» ця робота новосибірського театру «Червоний факел» стала спектаклем року у Асоціації театральних критиків, тепер же, як було сказано, багато хто вважав постановку недооціненою журі.
Втім, в тій же мірі можна говорити і про недооцінку «Чайки» ярославського театру ім. Волкова, можливо, загубилася на тлі всіх цих рвуться до столиці сестер і дядь Вань, які навпаки вже нічого не хочуть, крім неба в алмазах. При цьому, робота Євгена Марчеллі, при всіх необхідних новації, була, мабуть, самої театральної в плані атмосфери, духу - напевно, так і має бути, найстаршому театру країни.
Марчеллі «визрівав все життя», щоб поставити «божевільну п'єсу« Чайка », як то кажуть на сайті театру. Там же режисер каже, що любить працювати з класикою, йому «подобається в сотий раз розповідати всім добре відому історію», але при цьому «так, як її не знає ніхто». Це непросте вміння в світі сучасного театру, коли кожному режисерові потрібно зробити те ж саме.
"Чайка. Ескіз »(слово, підсів до назви, як бачите, досить скромне) з перших кадрів натякає на головну ідею - в світі тварин. Під бадьору мелодію в стилі Velvet Underground по сцені намотує кола дівчина на коні (кінь на сцені - до успіху), а завіса прикрашений переливаються чайками, нагадуючи заставку телепрограми.
«Панове, ви звірі», орли, куріпки, рогаті олені і так далі по монологу Ніни Зарічній. Головний і найстрашніший звір - це сама чайка. Марчеллі її так і описує в інтерв'ю - моторошна птах, як щур, тільки з крилами, кричить ще жахливо. Актриса Юлія Хлиніна яскраво передала цю ідею, її Ніна з гиком-криком вибігає прямо із залу (вона ж так гнала свого коня, а в реальності, як актриса театру Моссовета - електричку в Ярославль), то блукає по сцені, наче справжня чайка по берегу , тільки випрошує в залі сигаретку замість їжі, видає раз у раз інфернальні звуки, в загальному, відмінна робота, як і у Анастасії Світловий, що зіграла Аркадіну, другий человекоактріси, навколишнього нещасного Костю Треплева.
ВІН, у віконанні підкреслено юнацький (Данило Баранов), даже Бентежа, но и чаруючому зал своєю грою в течение довгої початкової сцени, єдиний просто людина в п'єсі, оточеній и роздавлення двома актрисами, человекочайкой Ніною и человекозвездой Аркадиной. Та й далі режисер з акторами Майстерня підсвітілі універсальні чеховські суті. Человековрач (філософствують), человекоучітель (нікчемний, як правило йому зраджує дружина з человековрачом), человекопісатель (нудьгуючий), человекоуправляющій (хитрий і жадібний, якщо це не дядя Ваня). Цей каталог на московському показі доповнила ще человекорепортер одного з каналів, що почала писати свій стендап на тлі кланяються акторів, і навіть видерся разом з оператором на сцену. Звичайно, навряд чи це було частиною концепції, але картину, треба сказати, актуалізувало.
Чудова режисура, відмінні акторські роботи (крім номінованих потрібно відзначити Євгена Мундум (Дорн)), повне володіння залом, насолоджуйтеся кожним звуком і кожної довгої паузою, в загальному, ескіз Марчеллі, як і слід було очікувати, став цілісним і майстерним прочитанням Чехова, нехай і одним з тисяч, але треба ж чимось займатися до 4015 роки?
Коли орли з куріпками, і все життя, завершивши сумне коло, згасли, вічна матерія звернула їх у камені, холодно, порожньо, страшно. Це щось декадентської ...
Герої фьяби 1761 роки після кількох годин дурненьке шанобливого проходження за всіма поворотами сюжету венеціанського драматурга, в фіналі прямо вигукують - що ж нам робити з таким-то матеріалом?
