СТИЛЬ МОДЕРН - (франц. Moderne від лат. Modernus - новий, сучасний) - період розвитку європейського мистецтва на рубежі XIX-XX ст. , Що включає різні художні течії і школи, представників яких об'єднувало антиеклектичний рух - прагнення протиставити свою творчість еклектизму попереднього періоду. Звідси назва. Термін «модерн» слід відрізняти від загального сенсу слова «сучасний» і від поняття «сучасне мистецтво», а також від модернізму. Період Модерну відносно короткий, має досить чіткі хронологічні межі: від кінця 1880-х рр. до 1914 р, початку Першої світової війни, що обірвала природний розвиток мистецтва в більшості країн Європи. На виникнення «нового мистецтва» вплинув Романтизм в формах національно-романтичного руху, що почався в Європі після наполеонівських воєн, і символізму, оформляються в окрему протягом західноєвропейського мистецтва в 1870-1880-х рр. Однак національний романтизм раніше, в 1830-1880-х рр., Сприяв формуванню ідеології історизму та еклектики, а символізм притаманний мистецтву, особливо архітектурі, на всіх етапах розвитку. Тому справжньою основою «нового стилю» слід вважати не ідеологію рубежу століть, а зміну принципів формоутворення, що має більш глибокі внутрішні причини. Рубіж XIX-XX ст. мав «значення етапу, завершального грандіозний цикл розвитку європейської культури, розпочатого ще в пору античності.
Безперечним є те, що розпочата на межі століть спроба узагальнення естетичного досвіду людства, синтезу художніх традицій Заходу і Сходу, античності і середньовіччя, класицизму і романтизму супроводжувалася і, певною мірою, була породжена явищами занепаду, кризи, що склалася на той час системи наукових, естетичних і етичних цінностей ». Навіть якщо в цих словах є перебільшення (показово використання терміна «епоха» замість «період»), то в них відображений творчий пафос того часу. Багатьом, ймовірно, тоді здавалося, що на їхніх очах створюється зовсім нове мистецтво. «Ми гребінь встала хвилі», - писав В. Брюсов.
У період Модерну відбувалося стрімке переосмислення старих і відкриття нових художніх форм і прийомів, зближення і злиття різних видів і жанрів мистецтва. Художники Модерну зухвало ламали звичні норми і межі. Німецьке «Jahrhundertwende» - «поворот століть», як помічено А. Русакова, краще визначає зміст цього періоду, ніж традиційне французьке вираз «fin de siecle» - «кінець століття». Головним змістом періоду Модерну стало прагнення до синтезу різних джерел, методів, стилів, форм і прийомів. Тому Г. Стернин зробив логічне висновок, що «модерн як термін доречніше ставити в ряд не з чисто стильовими категоріями, а з таким історико-культурним поняттям, як бідермаєр ... можна сказати, що бідермейер і модерн - це початок і кінець цілої історичної фази романтизму ».
Дійсно, так само, як і на початку XX століття, на рубежі століть переважав ідеалізм, віра в те, що мистецтво може змінити життя. Однак художники Модерну стали використовувати в своїй творчості різні форми: грецької архаїки, крито-мікенського мистецтва, античної класики, екзотичного мистецтва Китаю та Японії, Готики і Ренесансу, мистецтво етрусків і французького Рококо ...
У порівнянні з попереднім періодом еклектики частіше застосовувався принцип формовичітанія, а не формоскладання, що забезпечує цілісність зовнішніх і внутрішніх, декоративних і конструктивних елементів композиції. Прагнення до такої цілісності і є головна якість мистецтва Модерну. У той же самий час різноманіття художніх форм і різних композиційних прийомів, складність перехідної епохи, її короткочасність не дозволили принципом цілісності реалізуватися досить повно у всіх творах. Тому в період Модерну існували різні стилістичні течії.
У Франції: «флореальное», або Ар Нуво ( «Нове мистецтво»), в Австрії та Шотландії - геометричне, в Німеччині близьке французькому Ар Нуво мистецтво іменували югендштиля, в Італії - ліберті, в Польщі - «сецесією». У Росії утвердився термін «Модерн» або «Стиль модерн» (в західноєвропейському мистецтвознавстві він не використовується, зазвичай застосовують назву «Ар Нуво», а слово «модерн» означає просто сучасний, актуальний, передовий). Проте, всі ці терміни - синоніми, вони мають різний зміст. Картина розвитку мистецтва в цей час ускладнюється тим, що в період Модерну існували твори не тільки в «стилі модерну». Продовжували створюватися композиції в дусі Історизму і еклектики, стилізацій в руслі національно-романтичного руху.
Так, з 1895 р в Лондоні за проектом архітектора Джона Бентлі (1839-1902) зводився грандіозний католицький Вестмінстерський собор. Він будувався в «візантійському стилі», за зразком церков в Константинополі і Равенні, прикрашався кольоровими мармурами і мозаїками. Таке незвичайне спорудження відносять до течії «візантійського відродження» кінця XIX - початку XX ст. Однак особливості трактування форм, нюанси силуету і внутрішній декор демонструють нові - «модерні» риси, відсутні в стилізації середини XIX в. Культ зігнутої лінії, натуралістичність музичних зображень, прагнення до синтезу різнохарактерних елементів відрізняють також архітектуру «романського відродження» кінця XIX в. в Західній Європі і США. Про утопічності відродження старих форм в період Модерну нагадує незавершеність Вестмінстерського собору.
В інтер'єрі мозаїки покривають тільки нижню частину стін, склепіння залишилися необлицьованих і зяють неприємною чорнотою. Споруда виявилася занадто дорогою, а творець храму Дж. Бентлі помер від серцевого нападу, не побачивши закінчення робіт. На початку XX ст. в архітектурі відроджувалося неокласичний протягом і зароджувався конструктивізм. Ці течії взаємодіяли між собою. Тому, наприклад, Неорококо, Неоготика, Неокласицизм, «мавританський стиль», неорусский стиль або конструктивізм періоду Модерну відмінні від стилів під тотожними назвами інших історичних періодів. У зв'язку з цим виникає проблема відділення понять періоду Модерну від «стилю модерну»: друге поняття вже першого. Під «стилем модерну» розуміють одне з найбільш яскравих художніх явищ рубежу століть - флореальное протягом, що зародився в Бельгії і Франції і тому більш відоме в Європі під французькою назвою.
Характерна ознака творів, виконаних в цьому стилі, - хвилеподібно вигнута лінія. Звідси назва: орнаментально-декоративне перебіг. Останнє, однак, менш вдало, оскільки при явній, демонстративної декоративності твори в стилі Ар Нуво не уявляють собою зовнішнє прикрашення, що типово для творів попереднього періоду еклектики.
Естетика зігнутої лінії, яка народилася в живопису французьких постімпресіоністів, а потім посилена східними впливами, придбала в період Модерну конструктивний характер. Витоки цієї метаморфози слід шукати в англійському мистецтві. Розвиваючи ідеї, закладені Дж. Раскін і У. Морісом в русі «Мистецтва і ремесла», англійські художники А. Макмардо, С. Імейджа, У. Крейн, архітектори Ф. Уебб і Н. Шоу в 1882 р створили студію «Гільдія століття ».
У роботах художників студії простежується захопленість мистецтвом Сходу і естетикою вигнутих ліній, але також прагнення до раціональності і конструктивності. У 1892 р бельгійський живописець Анрі Ван де Велде (1863-1957), який захоплювався живописом Ж. Сірка, відрікся від «фігуративного мистецтва» і звернувся спочатку до абстрактного творчості, а потім до орнаментиці хвилеподібно вигнутих ліній. У 1893 р бельгійський архітектор Віктор Орта (1861-1947) створив знаменитий інтер'єр особняка Тассель, в якому химерно вигнуті лінії декору зорово зливаються з елементами будівельної конструкції: конструкція плавно переходить в форму, а форма - в декор на площині або вигнутих поверхнях.
«Новий стиль» розвивався настільки інтенсивно, що вже в наступній споруді В. Орта - «Народному домі» в Брюсселі (1896-1898) - помітнішими стають елементи конструктивізму. Своє кредо архітектор визначив наступним чином: «Я хочу вже у фасаді висловити план і конструкцію будівлі так, як це робилося в готиці, і, подібно до готики, виявити матеріал, а природу - відобразити в стилізованому декорі». Ці слова можна вважати програмою художнього синтезу - основної ідеї мистецтва «стилю модерн». Ця ідея пронизувала собою всі види мистецтва. Тому навіть абстрактна декоративна композиція із зображенням петлеобразно вигнутого стебла цикламена на шпалері X. Обріста (1895) - лінії, названої критиками «ударом бича», -Здається повної напруги, прихованої конструктивної основи.
У будівлях Ф. Журдена (магазин «Самарітен» в Парижі, 1905) і особливо в творах Е. Ж.-Ж.. Гимара характерно «органогенне» початок, що перетворює металеві конструкції в химерні зарості фантастичних квітів. Біоподобні, флореальні форми химерних огорож паризького метро, створені за проектом Гимара, до такої міри відповідали смакам нового стилю, що мистецтво Ар Нуво в Парижі у свій час називали «стилем метро», або «стилем Гимара». Вершин фантасмагорії ця тенденція досягла в творчості іспанця А. Гаудй. Цікаво також порівняти «стиль Гимара» з флореальні мотивами неорусского стилю цього періоду. Дещо інше протягом формувалося в середовищі французьких письменників і поетів-символістів. Ще раніше, в 1856 р, Ф. Бракмон відкрив парижанам красу японських гравюр. Японським мистецтвом захоплювалися французькі живописці, художники групи «Набй» і «Естетичного руху», об'єднання, очолюваного письменником О. Уайлдом.
Твори східного мистецтва колекціонували Е. Золя і брати Гонкур. У 1891 р вийшла в світ монографія Е. Гонкура про японському художника К. Утамаро. Через два-три роки парижани називали «новий стиль» «Гонкурівської» (в ці ж роки в Англії, де завжди сильніше відчувалися раціоналістичні тенденції, «новий англійський стиль» іменували «яхтовим» (англ. «Yacht style»).
Англійська комерсант Семюел Бінг (1838-1919) в 1876 р відкрив в Парижі магазин «La Porte Chinoise» (франц. «Ворота в Китай»), а в 1895 р магазин «Maison de L'Art Nouveau» (франц. « будинок Нового Мистецтва »), в якому поряд з товарами з Китаю і Японії продавалися твори французьких художників Е. Галле, Е. Грассі, Е. Колони, Р. Лаліка, П. Боннара, Ж.-е. Вюйара, А. де Тулуз-Лотрека, бельгійця А. Ванді Велді, норвежця Е. Мунка, англійця Ф. Бренгвіна, американця Л. К. Тіффані. Художній стиль Ар Нуво еволюціонував. На першій стадії розвитку, згідно з гаслом, висунутому А. Ван де Велде: «Назад до природи», художники прагнули звільнитися від надмірностей декору, властивих еклектизму «вікторіанського стилю», Другого Ампіру, Необароко і «неоренесансу» середини XIX в. На другій стадії архітектори Модерну переходили до цілісного проектування будівлі «зсередини назовні» (раніше панував протилежний метод окремого оформлення фасаду за принципом «листкового пирога»). При цьому відроджувалася стара традиція, коли архітектор малював все «до останнього цвяха»: від загального ескізу споруди до малюнків дверних ручок, віконних рам, світильників і камінів. Причому в якості основного мотиву міг бути обраний будь-який завиток або інший невеликий формальний елемент.
Так, наприклад, візерунок вентиляційної решітки міг стати домінантним мотивом, як відлуння, що повторюється в інших формах і в композиції цілого. Це надавало деяку містичність, загадковість і уберігало «стиль модерн» від зайвої раціональності. У 1890-1900-х рр. інтернаціональними стали мотиви морської хвилі, витких рослин, квітів ірисів, лілій, цикламенів, а також римуються з рослинними формами лебединих ший, важких і блідих жіночих облич - дев з довгими хвилястим волоссям, извивами рук і струмливими складками одягу.
Поети-символісти не змусили себе чекати, оспівуючи «блідий ідеал» і порівнюючи молоде мистецтво з крітомікенскім, етруською, «полум'яної готикою» середньовіччя і французьким Рококо. Як і в епоху Рококо, в моду входили бліді тони: сіро-блакитний, оливково-зелений, «солом'яний», палевий, блідо-рожевий ... У 1900-1910-х рр., Перш за все в школі віденського модерну - послідовників архітектора О. Вагнера, використовувалися інші форми: прямі лінії і кути, мотив «шахової сітки».
За пристрасть до цих форм австрійського архітектора І. Хоффманна (1870-1956) прозвали «дощатим», або «квадратним Хоффманном». У 1900 р у Відні, а потім в 1902-1903 рр. в Москві з великим успіхом пройшла виставка шотландського художника Ч. Макінтоша. Під впливом прямих ліній меблів Макінтоша «флораліст» В. Орта заявив: «Я відійшов від квітів і листя і зайнявся стеблами і палицями». Видатним архітектором російського, московського Модерну був Федір Осипович Шехтель (1859-1926). Художник-ерудит, поет і романтик, Шехтель використовував прийоми стилізації. Його перший архітектурний шедевр - особняк 3. Морозової в Москві (1893-1896). «Готичний зал» особняка вражає відчуттям справжності середньовіччя. Панно в «готичному залі» створені за малюнками М. А. Врубеля. Інші інтер'єри оформлені в стилях ампір і «четвертого рококо».
Наступне твір Ф. Шехтеля - особняк С. Рябушинського в Москві (1900-1902) - демонструє нову пластику, подібну французькому Ар Нуво. «Застигла хвиля» сходи особняка С. Рябушинського нагадує скульптуру, її форма викликає в уяві фантастичне чудовисько, вона образотворча і абстрактна в один і той же час. Неможливо сказати, де закінчується конструкція і починається декор, де площину стіни переходить в рельєф, а рельєф - в скульптуру, вітраж - в віконну палітурку, а світильник - в перила сходів.
Орнаментально трактована конструкція плавно перетікає в конструктивно трактований орнамент; площину - в обсяг, а обсяг - в простір. Це класика Модерну. Наступні роботи Ф. Шехтеля в Москві демонструють вплив віденської школи О. Вагнера. Такий стиль Московського Художнього театру - розроблений Шехтелем проект будівлі, його інтер'єрів, малюнок завіси, включаючи «чеховську чайку», світильники, геометричний орнамент, що нагадує античний меандр. Свій особняк Ф. Шехтель побудував в неокласичному стилі.
Стилістичний діапазон мистецтва Модерну широкий. У багатьох петербурзьких будинках «класичного модерну» стиль не проявляється в «чистому вигляді». Наприклад, в будівлі Вітебського вокзалу класична колонада доричного ордера поєднується з рослинним орнаментом у стилі Ар Нуво і відкритими залізними конструкціями. Те ж змішання елементів різних стилів можна бачити в будинках Торгового дому братів Єлисєєвих в Москві і Петербурзі. Однак подібні з'єднання різнорідних елементів не створюють еклектичного враження. Навпаки, викликають відчуття цілісності, оскільки пронизані єдиним динамічним формотворчим началом. Характерна асиметрія фасадів будівель Модерну.
На відміну від зовнішньої, формальної схеми класицизму така асиметрія виникає від органічного руху обсягів «зсередини назовні». Архітектура періоду Модерну складна, різноманітна, метафорична. У порівнянні з нею станковий живопис і скульптура цього періоду біднішими. Твори часто натуралістично, нудні і віддають вульгарністю салону. Це можна пояснити тим, що, на відміну від видів мистецтва, тісно пов'язаних з архітектурою, салонні твори виявилися відірваними від живильного середовища конструктивного формоутворення.
Друга причина - пошуки «великого стилю», що стирає кордони між елітарним і «масовим мистецтвом». Те, що відбувалося в період Модерну інтенсивне розширення аудиторії - замовників, споживачів мистецтва привело до двояким наслідків. З одного боку - до проникнення витонченою естетики, ідей символізму та вишуканої поезії в доти відірвані від високого мистецтва сфери матеріального виробництва: вироби декоративного і прикладного мистецтва, ювелірні прикраси, житловий інтер'єр, моделювання одягу. З іншого боку, міщанські смаки, комерційний інтерес, вульгарність повсякденного життя і проза розвивалося капіталізму стали чинити сильний тиск на художників, які відгукнулися величезною кількістю творів, зроблених на догоду примітивного смаку.
Зокрема, для живопису Моденра характерний еклектичний прийом з'єднання фантастичних і натуралістичних елементів. «Прекрасна епоха» (франц. Belle Epoque) виявляється при ближчому розгляді не такий вже прекрасної. Боячись потонути в вульгарності повсякденного, художники висунули утопічну ідею панестетізма, яка полягає в тому, що етику можна подолати естетикою і за допомогою високого мистецтва виявитися «по той бік добра і зла». Мрія про тотальну естетизації, розчиненні життя в мистецтві опановувала умами письменників і художників.
ЦІ Ідеї, зокрема, нашли відображення в статті В. Розанова «Естетичне розуміння історії» (1892). Дослідники мистецтва Модерну відзначають паралелі в символістської поезії і химерних образах образотворчого мистецтва. Наприклад, фантастичні квіти в склі Е. Галле і ювелірних виробах Р. Лаліка здаються ілюстраціями до «осяяння» ( «Illuminations») А. Рембо: О, потаємні самоцвіти - розкрилися квіти! ... Квіти, що ростуть лише в снах, розпускаючи, дзвенять і сяють ... Наготу осяяли, пронизують і приховують веселки, трави, море. (1872-1874) У 1891 р знаменита актриса Сара Бернар замовила ювеліра Рене Лаліка (1860-1945) парюри (комплект прикрас). Французький майстер використав стилізовані природні форми, поєднання золота, «віконної емалі», бурштину, слонової кістки, діамантів, срібла, алюмінію і простого скла. В особливо урочистих випадках С. Бернар любила показуватися в прикрасах роботи Р. Лаліка «бабка» і «клубок змій». У 1898 р колекціонер і меценат К. Гульбенкяна познайомився з ювеліром і запропонував йому зібрати музей власних творів. Такий музей був створений в Лісабоні, він являє собою одну з найбільш фантастичних колекцій у світі. Для назв творів мистецтва періоду Модерну характерні екзотичні визначення: «павине око», «колір червоної парчі», «синьо-зелений атлас павиних пір'я», «перламутр ніжною ночі» ...
Відроджувалися класичні мотиви і матеріали, а текже рідкісні техніки емалювання, иризации і розпису скла емалями, кракле - прийоми венеціанського стеклоделия епохи Відродження. Звідси термін «венеціанське відродження» (англ. «Venetian revival»). Ювелірна обробка деталей, використання незвичайних матеріалів проникають в живопис. Таке мистецтво Густава Клімта (1862-1918) - австрійського живописця, театрального декоратора і художника-графіка.
Яскраві сині, зелені, червоні кольори його картин, уплощенность малюнка, орнаментальність, незвичайна фактура з дрібних квадратів і прямокутників викликають в пам'яті візантійські мозаїки і японську графіку. Г. Клімт з'єднував живопис олією з аплікацією і інкрустацією, введенням в картину смальти, майоліки, міді та латуні, напівдорогоцінного каміння і навіть коралів. Причому умовність подібних прийомів не кращим чином поєднувалася з натуралізмом вульгарних алегорій в дусі модних віденських салонів академічного живопису.
Та ж подвійність відрізняє мистецтво англійського художника Обрі Бердслі (1872-1898). Вишуканий естетизм дивним чином поєднується в його творах з дилетантизм і порочним смаком на межі порнографії. У російській мистецтві найяскравішим представником романтики періоду Модерну був Михайло Олександрович Врубель (1856-1910) геніально обдарований митець польського походження (пол. Wrobel - горобець). Як справжній романтик він відчував минуле живим сьогоденням. За спогадами однокласників, Врубель мав славу «чужаком» в класах петербурзької Академії мистецтв і по-справжньому навчався у улюблених їм майстрів Візантії, іконописців італо-критської школи і мозаичистов собору Сан Марко у Венеції. Врубель любив заходити в ломбард і милуватися грою дорогоцінного каміння, пересипаючи їх з однієї долоні в іншу ... «Його мистецтво - одне з кращих виразів тієї закоханості в дивне, яка охопила людей в кінці XIX століття».
У творчості Врубеля з'єднуються експресія, фантастика, магія форми, естетизм, любов до казкових сюжетів. Свою дружину, співачку Н. І. Забела, художник зобразив в образі царівни Волхова з опери М. Римського-Корсакова «Садко» (словенська. Volhva - німфа р. Волхов). Казкова живопис перлинних і райдужних, опалових фарб, за словами художника, виникла під впливом музики, в якій він «чув море» і «бачив фантастичні тони». Своєрідність врубелівську живописної манери полягає в нескінченному дробленні форми на межі, як би пофарбовані зсередини світлом і кольором, на зразок кристалів або фантастичних кам'яних квітів. Свого «Демона» Врубель зобразив серед таких фантастичних рослин-кристалів. Закономірно звернення М. Врубеля, як і багатьох інших майстрів Модерну, до кераміки. Композицію «Принцеса Мрія» художнику вдалося реалізувати в майоліковому панно на фасаді одного з кращих будівель московського Модерну - готелю «Метрополь» (проект архітектора В. Валькота; 1898-1903;)
Про своїй картині «Бузок» (1900) художник сказав, що не хотів би бачити її в музеї, тому що «музей - це покійницька», а хотів би бачити її «вправленої в стіну в житловому будинку, щоб вона зовсім злилася зі стіною» . Схоластичність суперечки про те, чи слід вважати Врубеля художником Модерну і символістом. Цей майстер працював в період Модерну і не міг залишитися поза умов часу, але його творчість виходило за межі будь-якого художнього напряму, течії і стилю як у будь-якого талановитого людини.
Втім, подібні устремління були особливо актуальні для «fin de siecle». Найяскравішим вираженням прагнення до синтезу різних видів мистецтва і подолання кордонів окремих методів, жанрів, стилів є творчість художників об'єднання «Мир искусства» та знамениті «дягілєвська сезони» в Парижі. Романтичне рух знову проявилося в Росії в діяльності майстрів абрамцевского гуртка і садиби Талашкіно. Причому в роботах майстрів неорусского стилю національні теми, сюжети і форми з'єднувалися з прийомами стилізації, виробленими в мистецтві західноєвропейського модерну. Характерно нове звернення художників Модерну до «єгипетського стилю». Як і в мистецтві французького ампіру початку XIX в. (Порів. Шинуазрі в мистецтві Рококо), мотиви Стародавнього Єгипту просто і природно входили в архітектуру Модерну, піддаючись легкої стилізації в смаку часу. Друга течія національно-романтичного напряму представляє «північний модерн». Раціоналістичні тенденції і Неокласицизм породили оригінальну «модернізовану класику». У ці ж роки створювали свої кращі творіння прихильники «чистої класики», стилізатора І. Фомін, А. Таманян, І. Жолтовський, В. Щуко. Зароджувалося конструктивістське перебіг. Останнє, на думку багатьох дослідників, свідчить про те, що мистецтво Модерну до початку XX в. завершило не тільки власний цикл розвитку, а й взагалі класичну епоху європейського мистецтва.
Модерн вже в той час називали «останньої фазою мистецтва минулого століття ... зітханням вмираючого століття». В історії мистецтва Модерн так і залишився «перехідним періодом». Однак відмова від ідей художнього перетворення життя привів в подальшому до відмови від художності взагалі і появи авангардистських течій конструктивізму, функціоналізму, абстрактивизму, футуризму.
Сміливі наші мови,
Але на смерть засуджені,
Занадто ранні передвісники
Занадто повільної весни.
Д. Мережковський. «Діти ночі» (1896) У період Модерну не було створено єдиного історичного художнього стилю, що володіє необхідною цілісністю формальних ознак. Тому під словом «модерн» слід розуміти перш за все конкретний історичний період, що включає різні течії, школи та стилі, пов'язані між собою спільними ідеологічними устремліннями. Словосполучення «стиль модерну» конкретніше і позначає окреме стилістичне протягом, в якому найбільш повно проявилися ідеї синтезу.
Власов В.Г.
Великий енциклопедичний словник образотворчого мистецтва
У 8т.Т.1.-СПб .: ЛІТА, 2000.-864с .: іл.
з Вашого власного сайту.
